Zenon Records Music Production Suite

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visão Geral


Este curso é produto de nossos conhecimentos e recursos, manifestados durante a situação global que nos encontramos este ano.

Você vai nos conhecer melhor, mostraremos as ferramentas à nossa disposição e como realmente as usamos para produzir os resultados que todos ouviram nas pistas de dança ao redor do mundo, quando costumávamos festejar livremente todos os fins de semana.

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Módulos

Clique no tópico para uma breve descrição de cada módulo:

Duração Total do Módulo - 2:27:44

1 - Introdução (02:47)

Bem-vindo! Quem irá ministrar essa master class? Qual será nosso objetivo? E algumas considerações iniciais ao aluno.


2 - Studio (01:23) 

Uma breve apresentação do meu studio; DAW e equipamentos que serão utilizados para a aula.


3.1 - Metodologia e Fundamentos Teóricos (06:55)

Nesta aula, falamos sobre o que é metodologia; como aplicar e desenvolver um método dentro da produção de música eletrônica. Além disso, apresento qual metodologia que vamos utilizar para nos guiar nesta masterclass; e também, nosso objeto, o kick drum. 


3.2 (14:21) - Nesta aula, respondo apresento e discorro sobre seguintes perguntas: Quais os fundamentos teóricos do kick drum? Qual a sua história e seus componentes? Quando (e se) devo usar sample no meu kick? E por fim, qual a importância do kick com relação a estética sonora?


Link do artigo sobre história e componentes do Kick Drum: https://www.ableton.com/en/blog/drop-it-kick-electronic-music


4.1 - Primeiros passos na criação do Kick Drum  (10:25)

Nesta aula, mostro o tempo de produção de um kick drum; quais os instrumentos que existem para criação de um kick drum; Faço uma breve introdução sobre o kick 2, o instrumento que vamos utilizar durante toda a masterclass. 


4.2 (09:44) - Nesta aula, mostro o kick já em sua forma final e algumas considerações a respeito da minha visão com relação a escolha e verificação das notas e suas frequências.


5.1 - Moldando a onda no pitch (12:52)

Nesta aula, início o processo de sintetização do kick. A partir de sua onda inicial, moldando o pitch. Além disso, a importância do tempo da queda do pitch (ms), o cálculo e qual e o tempo certo para utilizar no kick. E como utilizar os recursos do tempo do kick para moldar o punch.


5.2 (08:45) - Faço um comparativo da modulação de pitch da aula 5.0 com a sinterização final. E mostro como é importante trabalhar o attack do kick a partir da queda do pitch, para complementar o punch.


6.1 - Moldando a onda no amplificador (14:46)

Nesta aula, agora passo ao segundo processo de sintetização do Kick Drum. O envelope do volume e mostro como o kick pode ganhar corpo a partir de um bom envelope no amplificador do kick.


6.2 (04:28) - Nesta segunda parte, reviso a aula anterior e mostro a importância de liberar frequências indesejadas no amplificador para melhor dinâmica e homogeneidade com o bass. 


7 - Clicks e frequências altas (12:32)

Nesta sétima aula, incorporo frequências agudas ao attack do kick e mostro como esse elemento torna mais agradável e mais punch o kick drum. E mostro, por fim, uma técnica muito utilizada por grandes artistas do zenonesque.


8 - Equalização dentro do instrumento (10:44)

Nesta aula, mostro a equalização dentro do instrumento do kick. Como corrigir alguns erros e dar presença em determinadas frequências chaves para um bom kick drum.


8.2 (08:03) - Parte dois sobre a equalização dentro do instrumento; e alguns conselhos com relação a frequências indesejadas no kick, e porque é mais aconselhável arrumar os problemas dentro do shape e não pela equalização.


9.1 - Processamento do Kick Drum (16:47) 

Nesta última aula prática, mostro o meu kick group, e a forma que utilizo alguns plugins externos para finalizar o processo de sintetização do kick drum.


9.2 (12:02) - Continuação da primeira parte, onde sigo mostrando e comparando o kick antes e depois do processamento.


10 - Encerramento (01:10)


Duração Total do Módulo - 1:30:00

1. Introdução

Discussão sobre a importância de Basslines e meus pensamentos sobre por que eles são tão mistificadores para novos produtores. Também informações sobre a DAW escolhida com a qual ensinarei e alguns dos plug-ins usados na aula.


2 - Síntese

Um passo a passo aprofundado de sintetizar um Bassline, bem como uma descrição da anatomia de um Sintetizador.


3 - Pós-processamento

Explorando os efeitos integrados do Serum e como podemos usá-los para personalizar nosso baixo.


4 - Pós-processamento de plugins não nativos

Usando alguns dos meus plug-ins não nativos favoritos para alterar ainda mais o timbre a fim de criar algo único e estimulante.


5 - Alinhamento de Fase

Uma explicação aprofundada do que exatamente é "fase" e sua importância na relação Kick e Bass.


6 - Kick EQ

 A fim de promover a boa junção do Kick and Bass


7 - Articulação de Bass

De várias maneiras, podemos criar variações em nosso novo Bassline por meio da síntese.

Duração Total do Módulo - 2:02:03

1- Introdução à Síntese de Bateria (15:53)

Neste vídeo, começaremos este curso sintetizando alguns sons básicos de percussão dentro do Ableton Live, usando o Operator. Abordaremos o papel dos envelopes e filtros na criação de sons de bateria, enquanto criamos nossos próprios chimbais (abertos / fechados) e caixas. Por fim, também faremos alguns arranjos groovy básicos com os sons feitos neste vídeo.


2- Síntese de bateria parte 2 (14:49)

Neste vídeo, começaremos a explorar ferramentas alternativas para criar sons percussivos. Estaremos utilizando os racks de bateria do Ableton e recursos de edição para criar sons de bateria experimentais e únicos. Em seguida, prosseguiremos para encontrar maneiras interessantes de organizar os sons percussivos de forma a gerar alguns diálogos cativantes entre nossos sons percussivos.


 3 - Síntese de bateria parte 3 (17:45)

Neste vídeo, exploraremos o uso de síntese baseada em modelagem física em nossa música. Estaremos usando o instrumento Collision do Ableton para entender o conceito dessa abordagem e também como podemos fazer um rack de bateria personalizado inteiro com esses instrumentos.


4 - Arranjo de bateria (18:20)

Neste vídeo, exploraremos as possibilidades de sequenciadores em tempo real para criar grooves novos e interessantes, enquanto também exploramos maneiras de incorporar polirritmos em nossa música.


5 - Arranjo de bateria, parte 2 (17:55)

Neste vídeo, vamos aprofundar as estratégias que podem ajudar na criação de um groove de movimento eficaz para a pista de dança. Abordaremos os conceitos de repetição e diálogo para adicionar ritmos cativantes à nossa música. Não usaremos nada extravagante para isso, exceto nossa própria imaginação.


6 - Sampling Parte 1 (19:02)

Neste vídeo, começaremos a explorar as possibilidades de amostragem e reamostragem de áudio como uma forma de criar seções percussivas. Estaremos usando o Ableton Simpler neste vídeo, editando o áudio nele e explorando as muitas maneiras de brincar com o som com essa abordagem.


7 - Sampling Parte 2 (18:16)

Na lição final, exploramos o sampling em maior profundidade, usando tanto o Simpler quanto o Sampler para gerar grooves percussivos. Também exploraremos algumas das maneiras pelas quais podemos começar a fazer com que nossas batidas se auto-geremusando plug-ins Ableton padrão.

Duração Total do Módulo - 1:11:41

1 - Introdução (02:30)

Quem é Adama? Inspiração para a criação. O que estamos prestes a fazer. Um pouco sobre o curso.


2 - Por onde começar (04:22)

Melodias - mais fáceis do que você pensa. O que é uma melodia?

“Regras de ouro” de Adama. Por onde começar?


3 - Melodia: arpejos (19:28)

Na sessão, falaremos sobre arpejos. Como escrever. Como encaixar na sua música.


4 - Melodia: baixo sintetizado (09:26)

Nesta sessão, escreveremos outro tipo de melodia. Uma linha de baixo groovy que cria movimento e adiciona mais profundidade à faixa. Falaremos sobre desenvolvimento, mudanças e muito mais.


5 - Melodia: Lead principal pt.1 (18:06)

Nesta sessão iremos passo a passo escrevendo o lead principal da faixa. Vamos falar sobre o comprimento. O som. Desenvolvimentos e processamento para adicionar profundidade.


6 - Melodia: Lead principal pt.2 (17:51)

Nesta sessão iremos passo a passo escrevendo o lead principal da faixa.

Duração Total do Módulo - 2:10:23

1 - Introdução (06:43)

Apresentando-me e um pouco da minha história musical. Como comecei a usar o ableton live e por que gosto.


2 - Estúdio (03:29)

Falando sobre a configuração do meu estúdio e como se pode fazer música sem equipamentos sofisticados. E a importância da diversão no estúdio.


3 - Introdução à aula (04:54)

Breve conversa sobre o que vou ensinar na aula e sobre a importância do fluxo, não ficar preso e conseguir bons sons facilmente.


4 - Lead com sampler (06:00)

Nesta aula, mostrarei como fazer um lead estilo FM usando um sample gravado. Usando um arpejador.


5 - Pad com sampler (08:26)

Nesta aula, mostrarei como fazer um Pad usando uma sample orgânico no sampler.

Usando a função de loop no sampler para obter uma forma de onda específica e usando oitavas para aumentar o som.


6 - Pad com sample no Serum (08:59)

Nesta aula, mostrarei como usar um sample comowavetable no Serum e como fazer um Pad com ele.

Usando o Serum e o Ableton para processar o som, tornando-o mais vivo e dinâmico.


7 - Lead com sample no Serum (09:17)

Nesta aula, mostrarei como fazer um lead usando um sample como um wavetable no Serum.

Mostrar como engordar o som colocando em camadas um som semelhante e processando em um grupo.


8 - Pad com um sample em áudio (07:50)

Nesta aula, mostrarei como fazer um pad usando um sample de áudio em ableton.

Mostrando como fazer um pad afinado criando ressonâncias no som. Processamento posterior para torná-lo mais interessante. reamostragem também mostrando como fazer uma atmosfera atonal.


9 - Hi Hat With Sampler (05:43)

Nesta aula, mostro como usar um sample gravado no sampler e como fazer um chimbal com ele. mostrando maneiras de processar hats e também como colocá-los em camadas para processamento posterior.


10 - Shaker com sample em áudio (04:25)

Nesta aula, mostro como usar um sample gravado em áudio e extrair o groove dele. processamento adicional. e explicando o uso do modo beats no ableton para obter grooves com qualquer som.


11 - Snare com gravação de voz (03:55)

Nesta aula, mostro como fazer um snare gravando sua própria voz. explicando sobre snares no no psytrance. e mostrando como processar a gravação ao seu gosto.


12 - Lead com gravação de voz (10:01)

Nesta aula, mostrarei como fazer um lead stab gravando sua própria voz. Veja as possibilidades de processar e fazer sons diferentes com ele. Adicionar camadas a outro som e usar o gate como trigger para adicionar camadas ao som.


13 - Sampling de uma música como um pad (04:09)

Nesta aula, mostrarei como fazer um sample de uma música e transformá-la em um pad atmosférico. Mostrando como esticar um som e usar o modo de textura no Ableton.  Processando para obter um som mais interessante.


14 - Crash com áudio (06:34)

Nesta aula, mostro como é possível usar qualquer sample como um crash fx em uma música. Maneiras de se processar. E o conceito de um efeito sonoro de crash.


15 - Fill com Áudio (06:45)

Nesta aula, mostro como usar samples gravadas como fills de bateria em uma música.

A diferença entre ritmos quantizados e não quantizados. processamento posterior para tornar o som mais realista. Layering para um som mais gordo.


16 - SFX com Sampler (05:27)

Nesta aula, mostrarei como fazer SFX usando um sample gravado no Sampler. Usando o arpeggiator para criar um efeito de ritmo interessante. Com rocessamento posterior.


17 - Exemplos de minhas músicas (24:39)

Mostrando exemplos de sampling em três das minhas músicas. Compartilhando alguns fatos sobre as músicas, mostrando como cada uma teve um processo diferente e não existe apenas uma forma de fazê-las.


18 - Encerramento (03:07)

Palavras de despedida para a classe.

Duração total do módulo - 1:50:50

1 - Introdução (02:38)

Apresentando-me e um pouco do meu passado e da jornada musical.


2 - Estúdio (02:43)

Falando sobre meu equipamento no meu estúdio.


3 - Metodologia, o que é Zenonesque (06:18)

Introdução ao Leads, um breve olhar sobre como e quando usar Leads, o que define o som Zenon em relação aos leads.


4 - Introdução do Wavetable Synth (01:20)

Apresentando o Wavetable Synth do Ableton, uma breve visão geral do sintetizador.


5 - Metodologia de chumbo ondulável (36:34)

Discutindo brevemente como usar os Leads, começamos o sound designe os ajustes do Wavetable. Criação de conteúdo e técnicas básicas de arranjo e automação


5.1 - Verificando a trilha (09:04)

Nós verificamos e ouvimos a faixa e o trabalho de wavetable que fizemos.


6 - Técnicas Midi (09:18)

Vemos as técnicas de arranjo com Midi, cobrimos duas técnicas que gosto de usar.


7 - Serum Leads (13:25)

Introdução ao Serum e preparação de um lead


8 - Serum 2 (15:06)

Técnica Fm, Explorando Wavetables e Wavetables Externos de outros Wavetable Packs.

Teoria básica de arranjo de leads e mixagem. Moldando o lead com efeitos e também panning com Pancake.


9 - Arranjo (11:28)

Visão geral do trabalho de Synth que fizemos, discutindo a disposição das partes principais e a progressão da trilha.

Analisando as técnicas para facilitar o arranjo ao silenciar os clipes.


10 - ENCERRAMENTO (02:56)

Veja meus plug-ins favoritos e para que os uso.

Duração total do módulo - 2:16:16

1 - Introdução (03:47)

Conto um pouco sobre mim. Você também aprenderá sobre o que é o módulo e o que esperar.


2 - Nosso primeiro som: The Short Squelch (21:48)

Começamos olhando para o arranjo e decidindo onde colocar o primeiro som. Vamos começar de forma simples com um mini-gancho, algo para dar continuidade ao caráter da faixa.

Carregando o sintetizador subtrativo Polysynth, primeiro encontramos o ritmo, onde colocar nossas notas. Com algumas notas simples em um loop fechado, podemos começar a esculpir o próprio som. Marcamos as configurações do oscilador e do filtro e usamos moduladores para criar movimento.

Com o som colocado na linha do tempo, é hora de começar a automatizar os parâmetros selecionados para criar tensão e movimento aleatório.


3 - O segundo som: A Dusty Chord Stab (15:48)

Usamos uma cópia do primeiro som como ponto de partida, para esculpir esse segundo som em algo único. Este segundo som é mais complexo e se baseia no que fizemos no primeiro exercício. Novamente, o tempo é muito importante e usamos um LFO para dar ao som seu caráter rítmico. Com uníssono e desafinação, damos ao nosso segundo som a vibração sinistra de que nossa música tanto precisa.


4 - Usando os dois ganchos para criar uma transição para o intervalo (18:42)

Identificar os ajustes certos não é fácil. Neste exercício, distorcemos o caráter de nossos dois sons existentes e os usamos como uma ponte para o intervalo. Trabalhamos com diferentes técnicas de note clips, efeitos de áudio e toneladas de automação. Este trabalho cobre os grandes esquemas e os detalhes mais finos. Nós pintamos tanto com traços largos quanto com pincéis finos.


5 - Um Riser Rítmico para a Transição (18:13)

Trazemos mais um som para apoiar a transição e o clímax da primeira seção da música. Continuando com nosso amigo Polysynth, desta vez examinamos mais profundamente o uso de ruído, distorção e dobra de ondas como base de nosso som. Em seguida, usamos moduladores para fazer o som dançar e evoluir com o tempo.


6 - Bônus: limpando notas sobrepostas usando edição em camadas (03:35)

Dê a cada som seu próprio espaço para obter uma mixagem mais limpa. Aborde esse problema em sua essência - ou seja, no domínio do tempo. Para garantir que nenhum som ocorra ao mesmo tempo, usamos a edição em camadas para mover as notas que ocupam o mesmo espaço (tempo).


7 - Um bombástico Ravey Chord-Stab Pt1 (17:20)

O momento em que o som forte deve atingir é importante, então vamos examinar o arranjo até agora. Para este som, recorremos ao Phase-4, um excelente sintetizador aditivo com quatro osciladores. Ajuste o máximo de botões possíveis para obter o stab e estamos no caminho certo. Depois de adicionar alguns efeitos, é hora de encontrar a melodia.

Depois de gravar uma tomada rápida e limpar as notas, rebatemos um conjunto de notas simples para criar reverse-and-forward fills que podem ser colocados junto com a melodia principal, bem como outros lugares na linha do tempo para amarrar a música juntos.


8 - A Bombastic Ravey Chord-Stab Pt2 (14:51)

Seguimos em frente, refinando ainda mais o som: usando edições de velocity para melhorar o envelope do filtro ao longo do tempo. Vamos criar uma cópia para que possamos experimentar efeitos de áudio adicionais. Vamos fazer com que esses efeitos de áudio surjam de vez em quando com notas específicas. Para isso, veremos como camadas e seletores podem ser usados ​​criativamente.

Bem no final, tropeçamos em uma versão em miniatura do reverse-forward stab swoosh que nos ajuda a avançar para a próxima seção.


9 - Bônus: Sempre ajust seu Reverb (05:06)

Este é um bom truque para adicionar muitos efeitos de reverb ou outros efeitos sem atrapalhar o som. A estrutura de dispositivo modular do Bitwig Studio e o prático sistema de modulação podem ser usados ​​para montar uma configuração de ducking de maneira rápida e flexível.


10 - Bônus: veja por que você deve redefinir suas curvas de automação (02:08)

Depois de passar tanto tempo fazendo curvas de automação incríveis, veja como não enganar seu futuro eu. Apenas reinicie suas curvas depois de terminar, deixe-me mostrar um exemplo.


11 - The Psytrance Riffs (14:47)

Finalmente alguns gnarls de psytrance. Neste vídeo, examinamos não um, mas dois sanduíches de sintetizadores psicotrancerísticos. Usando Phase-4, trazemos alguma aspereza em nossa música, traçando um riff de psytrance e um amigo riffy de apoio. Desta vez, com alguma modulação de repetição interessante e ciclos deslocados tocando um em cima do outro. O Phase-4 é realmente um sintetizador kickass.

Claro, precisamos tomar decisões sobre onde colocar as notas nos clipes, onde colocá-los na linha do tempo e o que automatizar para fazer a vida valer a pena.


12 - Outro (00h10)

1. Introdução (01:37)

Vídeo onde falo sobre mim.


2 - Studio Walk (02:33)

Vídeo onde apresento meu estúdio e meus equipamentos mais importantes.


3 - Sobre minha Masterclass (01:12)

Informações sobre o que falarei na master class.


4 - Noções de formas de onda e harmônicas (07:42)

Neste vídeo, darei uma breve noção de como ler diagramas de forma de onda. Também faço um tour nas formas de onda básicas, bem como no entendimento de 'Harmônicos Parciais'.


5 - Arquitetura de síntese subtrativa básica (10:02)

Neste vídeo eu falo sobre a arquitetura básica de um sintetizador subtrativo, explicando os principais parâmetros de seus módulos.


6 - Tipos comuns de síntese (07:18)

Neste vídeo falo sobre os diferentes tipos de síntese que podemos usar para começar a esculpir nossos sons.


7 - Construção do Ambiente (07:37)

Este vídeo é a primeira das sessões práticas de estúdio, onde começo construindo um pequeno ambiente que vai desencadear algumas novas ideias.


8 - Uso Criativo de Filtros (15:48)

Apresentando "Comb-Filtering" com síntese baseada em samples, para criar um tipo abstrato de som.


9 - Síntese Avançada (31:46)

Criação de um ambiente 'tonal' por meio de Síntese Aditiva e Ring Modulation.

Usando 'Granular' para criar alguns artefatos sonoros.

Seguido por outro uso de filtros para criar um 'riser' que conduz uma seção da faixa para a outra.


10 - Chamada / Resposta e Ambiente (45:35) 

Aqui começo a construir uma 'conversa' com diferentes tipos de sons que se relacionam entre si. Em seguida, faço outra visita à última seção da introdução para refiná-la um pouco mais com a criação de uma “atmosfera tecnológica” mais específica.


11 - Ambiente e “Motivo” (33:36)

Neste vídeo, procedo com um pequeno refinamento da atmosfera inicial.

Aí começo a criar alguns “motivos” que chamam a atenção do ouvinte, separando também a primeira parte da faixa da Intro.

Em seguida, gravo uma sequência de sintetizador em tempo real e divido o arquivo de áudio para obter partes menores independentes.


12 - Considerações finais (01:29)

Apresento aqui minhas considerações finais sobre a masterclass.

Duração Total do Módulo - 1:58:10

1 - Introdução (01:21)


2 -Colocando instrumentos em camadas, empilhando efeitos, sampling e edição de áudio (33:49)

Nesta aula, demonstrarei como produzir um som de baixo em camadas, focando no mid range. Esse é um som que tirei de uma colaboração produzida por mim junto com “Dirty Hippy e“ Grouch ”que será lançado no meu próximo álbum com a Zenon Records. Estarei usando “Native Instruments” “Reaktor” e usando o ensemble “Razor”, Serum e os plugins nativos do Ableton dentro nesta aula. Eu estarei cobrindo resmpling, efeitos de áudio e as camadas envolvidas que usei para produzir este som.


3 - Time Stretching, síntese Fm e modulação +automação do sampler (36:37)

Nesta aula, mostrarei como uso os recursos de timestretching e edição de áudio do Ableton para fazer material criativo que pode ser processado posteriormente em suas faixas. Também cobrirei a síntese de FM usando o instrumento "Wavetable" do Ableton. Por último, demonstrarei diferentes maneiras de fazer sound design bastante experimental usando loops em um sampler, automação e como processar as gravações.


4 - Resampling granular arpejador e edição de áudio (26:17)

Nesta aula, continuarei no mesmo projeto da aula anterior e mostrarei como fazer um sintetizador granular usando apenas um sample básico dentro do arpejador do Ableton. Abordarei o processamento adicional necessário para criar microedições completamente exclusivas que podem ser usadas em seus arranjos. Esses processos serão demonstrados usando os diferentes modos de distorção, usando timestretching e cortes de áudio dentro do Ableton e também os vários efeitos de áudio que podem ser aplicados às suas edições.


5 - Criação de material abstrato usando técnicas de baixo Reese, sampling de áudio e microedição (20:06)

Nesta aula eu estarei trabalhando em outro projeto de colaboração “Airi & Evil Oil Man“, outro projeto apresentado em meu próximo álbum com a Zenon Records. Vou mostrar uma técnica que usei para fazer sons ou camadas de baixo em movimento que poderiam ser descritos como um baixo “Reese” ou um baixo “Neurofunk”. No entanto, esta lição é mais focada nesta técnica particular e como ela pode ser usada para abrir portas para criar material de origem muito incomum e exclusivo para ser posteriormente processado em camadas muito personalizadas e abstratas. Principalmente, estarei trabalhando no instrumento "Operator" da Ableton.

Duração total do módulo - 2:02:49

1 - Introdução (01:24)


2- Studio tour (3:23)


3 - Infinity Loops (34:43)

Nesta seção, aprenda um truque bacana usando o sampler nativo do Ableton, que eu costumava fazer em um MPC 2000 XL quando aprendi sobre produção musical na faculdade. Usando o Ableton, você pode usar essa técnica de maneiras muito mais complexas e obter uma vasta gama de sons de pad texturizados.


4 - Síntese (28:57)

Na parte dois, exploramos o mundo dos samplers. Nos concentramos em dois tipos específicos de síntese; FM e Wavetable. Para demonstrar essas técnicas, estarei usando os instrumentos nativos Ableton Operator (FM) e Wavetable.


5 - Foley e Pós-produção (30:47)

Nesta seção, o sound design experimental será o foco principal. Vou demonstrar como podemos usar basicamente qualquer som e usandodiversas  técnicas de manipulação de áudio como distorcer, dobrar, destruir, aumentar e estender o áudio em sons atmosféricos maravilhosos.


6 - Reverb Magic / Layering (23:37)

Na parte quatro, compartilharei uma técnica maravilhosa de reverberação para criar pads enormes, expansivos e etéreos. Além disso, estaremos consolidando alguns dos métodos demonstrados anteriormente e nos aprofundaremos nas camadas para criar paisagens sonoras ricas e harmoniosas.

Duração total do módulo - 1:30:29

1 - Apresentação e configuração (5:36)

Apresentando Amortalist como músico e apresentando minha configuração de estúdio.


2 - O Módulo (03:01)

Apresentação do módulo, falando sobre o arranjo usual de uma faixa Zenon / psytrance progressivo e focando em crenças como: técnica não significa boa música e, embora definitivamente ajude, transmitir emoções e escrever uma história é mais um treinamento subjetivo .


3 - Configuração da sessão (06:00)

Aprender a importância de configurar seu modelo de sessão.


4 - Estrutura musical ABCD (05:21)

Falaremos sobre a lógica e padrões comuns de arranjo e progressão musical na música Zenon  e EDM em geral, além de dar um pouco de teoria musical sobre a estruturação da música.


5 - Intro (11:06)

De nenhuma introdução a uma introdução longa, provocando elementos futuros e atmosferas da faixa, abrindo com um gancho e se preparando para o primeiro verso.


6 - Versos (12:01)

Aprender sobre como selecionar elementos específicos para construir e provocar progressivamente a parte motriz de sua faixa na preparação para o refrão.


7 - Coros (15:12)

Vamos falar sobre a importância da clareza e não sobrecarregar os refrões, ensinar algumas técnicas ou algumas configurações e lógica para pensar ao organizar um refrão.


8 - Breaks e pontes (10:14)

Configurar pontes para adicionar variação aos elementos principais de uma faixa, redefinindo a atenção do ouvinte com intervalos.


9 - Build-ups e drops (10:16)

Falar sobre build-ups e drops de qualquer tipo como forma de aumentar a energia de uma seção e dar uma sensação de urgência.


10 - Outros (04:37)

De nenhuma outro a uma outro longa, relembrando elementos anteriores da faixa para finalizá-la de uma forma memorável.


11 - Construindo tensão, coesão e entortando as regras (06:32)

Compartilhando minhas crenças pessoais sobre arranjar elementos e seções de uma forma que cria uma tensão progressiva ou repentina e provocando para fazer elementos específicos brilharem mais intensamente e aumentarem a emotividade de uma faixa. Uma rápida abordagem da construção de uma história lógica com um começo e um fim satisfatórios, deixando as coisas acontecerem quando forem lógicas o suficiente, sem procurar constantemente a perfeição que irá evoluir com base na neuroacústica e no seu humor atual, mas também como contornar as regras quando você compreendeu e assimilou os tópicos anteriores.


12 - Créditos (00:34)

Duração total do módulo - 1:40:12

1 - Introdução (01:48)

Breve introdução sobre mim mesmo e minha experiência como produtor musical e engenheiro de mixagem e masterização.


2 - Tour de estúdio (07:23)

Vídeo curto sobre meu estúdio e quais equipamentos utilizo para meu trabalho de mixagem e masterização.


3.1 - Uma grande mixagem: Teoria (02:48)

Os princípios básicos por trás de uma boa mixagem. O que torna uma mixagem ótima. Qual é a teoria por trás de uma grande mistura. Como tudo está estruturado.


3.2 - Grande Mixagem:  Aspectos técnicos (07:12)

Como conseguir uma ótima combinação. A teoria sobre o som e como ele se comporta em uma ótima mixagem. Sobre o princípio de profundidade, imagem estéreo e equilíbrio geral.


4 - Ouvindo (02:53)

Tudo o que você precisa saber sobre como ouvir durante a mixagem. Curvas de intensidade iguais e seus efeitos explicados.


5 - Estrutura do Projeto (03:31)

Como preparar seu projeto para uma sessão de mixagem. Como configurar suas trilhas e encaminhá-las para grupos.


5.1 - Estrutura do Projeto: Mandadas de Efeito(03:15)

Como configurar suas mandadas de efeito para a sessão de mixagem. Qual mandada você pode usar e por que deve usá-la.


6 - Ordem de mixagem (01:52)

Em que ordem você deve mixar suas faixas individuais e por que faz sentido fazer isso.


7 - Equalização (05:52)

Tudo o que você precisa saber sobre equalização durante a mixagem. Técnicas de equalização explicadas.


8 - Compressão: Parte 1 (05:50)

Tudo sobre compressão. Explicação das configurações básicas dos compressores. Diferentes tipos de compressores (compressores VCA, FET, Opto e Vari Mu). Quando usar compressão.


8.1 - Compressão: Parte 2 (09:14)

Exemplos de instalação de compressor. Técnicas de compressores. 2 compressores em uma fileira.


8.2 - Compressão paralela e multibanda (12:58)

Explicar quando e como usar compressão paralela e compressão multibanda.


9 - Processando Low End (10:20)

Tudo o que você precisa saber sobre processamento low-end. Dicas e truques especiais para ajudá-lo a obter um resultado melhor nesta faixa de frequência.


10 - Hihats e Snare (04:34)

Algumas dicas, abordagens e truques para mixar hihats e snares. Como deixar os hihats mais apertados e agradáveis ​​para os ouvidos.


11 - Processando o Grupo de Bassline (08:14)

Como processar o grupo do bassline para obter mais pressão.


12 - Processando o Grupo de Bateria (05:52)

Como processar o grupo de bateria para que a bateria soe mais firme, com mais prazer e melhor tradução através da mixagem.


13 - Processando o grupo de Leads (03:24)

O que você pode adicionar ao grupo de leads para torná-lo mais adequado ao mix.


14 - Referência e encerramento (03:14)

Dicas para misturar com referências e como elas são importantes. Últimas palavras.

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Perguntas frequentes

  • Para quem este curso foi projetado?

    Diferentes perfis de alunos podem se beneficiar com o curso:


    Iniciantes: todas as aulas exploram do básico ao avançado. Assim, se você está começando você já pode dar os primeiros passos em cada disciplina, e depois revisar o curso para se aprimorar.


    Intermediários: dê o próximo passo em seu conhecimento, melhorando o que você sabe, com  grandes dicas.


    Profissionais: Aprimore sua técnica ainda mais entrando na mente dos artistas Zenon.

  • Existe alguma garantia de devolução do dinheiro?

    Caso não goste do conteúdo, da plataforma ou simplesmente sinta que não é para você, você pode solicitar o reembolso total do seu cadastro, no prazo de 7 dias após o recebimento do conteúdo e devolveremos 100% do seu dinheiro!

  • Quando as aulas começam?

    Assim que você fizer o login, você terá acesso a todos os módulos de uma vez. Conclua-os em seu próprio ritmo, certifique-se de estudar todas as informações.

  • Existe um limite de data para o meu acesso?

    Não, é acesso vitalício. Depois de comprá-lo, você tem todo o tempo do mundo para concluir o curso, assistir novamente às aulas, etc.

  • Quais são os requisitos para este curso?

    Um laptop com conexão à internet, um fone de ouvido, uma DAW instalada na sua máquina e tempo para estudar / praticar um pouco todos os dias. E uma compreensão básica de como usar sua DAW.

  • Como faço para acessar o conteúdo?

    Usamos uma plataforma educacional chamada Hotmart.

  • E se eu tiver mais perguntas?

    Entre em contato conosco em:

  • Quanto tempo dura o curso?

    Mais de 20 horas de aulas, a duração total de cada módulo é mostrada na seção do curso.

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